La primera edición de ‘La Fractura del Siglo’ se hizo casi que por un impulso, explica la artista Sara Roitman sobre la necesidad de hacer del cine una herramienta de reflexión, en el marco del Día Internacional en memoria de las víctimas del Holocausto (27 de enero). Un año después, esta muestra de cine celebra su continuidad con una segunda edición y 10 películas seleccionadas por la distribuidora local Vaivem. Para la curaduría, Tomás Astudillo tomó como punto de partida dos ideas. Una sobre las nuevas formas de representación acerca de un tema ampliamente abordado en el cine, como las que descubre en el filme ‘El hijo de Saúl’. La otra, sobre la posibilidad que ofrece el arte para “salir de la oscuridad”, a partir de la comprensión sensible y crítica de la historia, que surge del análisis de una carta del filósofo Georges Didi-Huberman dirigida a László Nemes, director de la misma cinta. Para Roitman, el cine es esa luz al final del “agujero negro” creado por el nazismo en la historia de la humanidad y esa es la idea bajo la que se perfila la muestra de este año. La muestra se inaugura hoy con ‘El hijo de Saúl’, en una proyección con invitación. En la cinta, Nemes revive una de las peores tragedias del siglo XX desde la mirada de un judío que ‘trabaja’ en uno de los hornos crematorios de Auschwitz. Portador de un terrible secreto, este hombre que habita el infierno intenta hallar algún último vestigio de es­peranza y humanidad en un desesperado acto de piedad. Nemes lo sigue muy de cerca con una cámara que deja fluir la acción en largos planos secuencia que, a pesar de mantener el entorno fuera de foco, permite el acceso a la devastación desde la intuición y un sonido que desgarra los sentidos. Este es el inicio de un recorrido que también convoca a filmes como ‘Kapó’, con una propuesta que contrasta por la descarnada exposición de lo que sucede dentro de un campo de concentración. También hay cintas como ‘Austerlitz’, ‘Mr. Gaga’, ‘Viajes’ o ‘Los sobrevivientes’, en los que se establece una relación con la historia desde el presente. ‘Hannah Arendt’, ‘Los últimos días’, ‘Lili Marlen’ y ‘El portero de la noche’ son fragmentos de un pasado que terminan de componer esta imagen panorámica de la historia. Una muestra que, según Roitman, ejercite la memoria y se convierta en una forma de adquirir conciencia sobre una tragedia que recobra vigencia en la experiencia de recientes matanzas y desplazamientos impulsados por la violencia.

Este contenido ha sido publicado originalmente por Diario EL COMERCIO en la siguiente dirección: http://www.elcomercio.com/tendencias/fracturadelsiglo-filmes-victimas-holocausto-nazismo.html. Si está pensando en hacer uso del mismo, por favor, cite la fuente y haga un enlace hacia la nota original de donde usted ha tomado este contenido. ElComercio.com

La revista especializada ARTDISTRICTS FLORIDA publicó en su edición No 45 del mes de diciembre 2016 un artículo dedicado a Sara Roitman. Esta edición corresponde a la publicación realizada durante el renombrado evento Art Basel Miami que tiene lugar en esa ciudad.

Raisa Clavijo es curadora, historiadora y crítica de arte; ella es fundadora y redactora en jefe de las revistas ARTPULSE y ARTDISTRICTS.

Para ver el artículo completo, acceda al siguiente enlace:

http://issuu.com/roitmansara/docs/sara_roitman_articulo_raisa?e=25246064/41797774

Adicionalmente la revista le dedico su portada a la obra Tintattoo de Sara Roitman. Esta obra forma parte su ultimo proyecto HABLEMOS DEL DOLOR [titulo temporal]. Cabe recalcar que esta obra esta expuesta en la galeria Curator´s Voice Art Project en el marco de la exposicion PREMIUM Art Basel Season 2016.  https://goo.gl/maps/SRByQ4ffuoT2

Sara Roitman expone su obra Tintattoo en la galeria Curator`s Voice Art Project, en el marco de la  exposición PREMIUM Art Basel Season 2016.

TINTATTOO forma parte de su mas reciente proyecto, HABLEMOS DEL DOLOR [titulo temporal].

La exposición estara abierta desde el 19 de Noviembre del 2016 hasta el 22 de Enero del 2017.

La galeria Curator`s Voice Art Project se encuentra ubicada en  Wynwood Art District de la ciudad de Maimi.

https://goo.gl/maps/TjtDdYSgb692

‘Hablemos del dolor (título temporal)’ es un proyecto original de la artista Sara Roitman, bajo la comisaria de Hernán Pacurucu. Este trabajo se enmarca en la experimentación y de secuencia continua con la duración de un año (del primero de enero de 2016 al primero de enero de 2017).

“Esta obra se desarrolla en tiempo real y su planificación se va estructurando en el desarrollo mismo, por lo que nunca se sabrá a ciencia cierta cuál es el resultado sino hasta presentarlo”, comentó la artista.

El proyecto estructurará 12 productos artísticos, uno por mes, cuyo formato de presentación varía según los intereses creativos y críticos de la artista en relación a los sucesos que se van desarrollando de manera continua dentro de su contexto y que parten de su espacio-tiempo establecido.

Exposiciones, instalaciones, intervenciones en espacios abiertos, sembrar plantas, entre otras han sido las propuestas. Ahora, Roitman selecciona cuatro películas relacionadas al tema de este mes bajo el título: ‘Por que duele el amor’. Las cintas han sido seleccionadas en base al tema del amor y el dolor. Además del impacto de la historia que relata cada filme, su efecto emocional y visual que ha tenido cada una.

Relatos sobre el dolor inmensurable que el amor puede generar, sea por su pérdida o grandes amores imposibles por diferencias culturales, de raza o de clases sociales. “Diversas historias de amor, diversos lenguajes cinematográficos y diversos directores. No podemos olvidarnos también de las increíbles bandas sonoras de cada una de las películas que se van a presentar”, agregó la artista. (MJC)

EL DATO

Las cintas se proyectarán en el cine Ochoymedio, el sábado 29 de octubre.

Filmes
seleccionados:

° ‘Como agua para chocolate’ – 11:00

° ‘El círculo de amor se rompe’ – 15:00

° ‘El amante’ – 17:00

° ‘Blue’ - 19:00

“Hablemos del dolor” es un proyecto de la artista Sara Roitman, destinado a la duración de un año de calendario que comenzó el  mes de enero de 2016 y cuyo objetivo es crear por un lado una obra de carácter mensual, que varía en formatos y técnica, además de la realización de una foto diaria durante los 365 días del año, todo ello acompañado de un cuaderno de artista mensual.

A lo largo del año se han realizado las obras bajo diferentes ejes curatoriales; las obras han sido exhibidas en el espacio público, en galerías, centros de arte, entre otros. Algunas obras se han ido desarrollando de una forma vivencial mientras que otras abarcan una variedad de temas, todos ellos relacionados con el elemento dolor como detonante para la creación de las propuestas; entre ellas se encuentran:

Kadish cuyo tema central gira en torno al dolor causado por la ausencia,  por la muerte, es entonces que esta plegaria (perteneciente a la religión judía) toma sentido al ser recitada por la artista y más que una performance, constituye el medio para comprender a través de una serie de recursos artísticos el proceso de duelo.

Rupturas constituye una instalación con frases distribuidas en un pasillo angosto a través del cual los espectadores tienen que transitar de manera incómoda, se enfrenta al espectador directamente a una serie de palabras alusivas al rompimiento ya sea amoroso, social, de carácter epistemológico, no hay forma de  escapar de las frases y solamente queda enfrentar los pensamientos que aquellos mensajes evocan.

Tintattoo serie de fotografías en torno a la corporeidad y la expresividad alcanzada sólo a través del tatuaje, el desarrollo de este tema permite la discusión acerca de los porqués y la razón de su existencia, que muchas veces obedece a razones vivenciales, emocionales, de fe o incluso de pertenencia a un grupo; sin lugar a dudas, el tatuaje es la única forma posible de inflingirse dolor a cambio de una recompensa.

La Minga, proceso conocido como el trabajo comunitario para la consecución de beneficios en común, es el título perfecto para el proyecto que actúa bajo el cobijo del arte relacional y que se enriquece con la incorporación de procesos comunitarios de la localidad como la pampamesa (que es el compartir alimentos de manera grupal). En este caso la minga se realiza para la siembra de plantas medicinales (que sirven para mitigar el dolor causado por la enfermedad), la siembra se realiza en forma de una espiral; entonces este proyecto como dispositivo artístico detona una serie de argumentos en torno a la otredad y al uso de estrategias colaborativas para alcanzar un fin común; entonces a fin de cuentas deviene en un proyecto ético y estético.

Todavía quedan por concluir algunas intervenciones, durante el tiempo transcurrido se han podido vislumbrar desde insospechadas perspectivas las diferentes máscaras que nos ofrece el dolor con el que tenemos que convivir a diario.

Artista: Sara Roitman
Curador: Hernán Pacurucu

La antigua Cárcel de Cuenca, con su historia, carga emocional y espacios abandonados y lúgubres, es el escenario para la nueva exposición en grandes formatos, GIGANTES Y DERIVAS – procesos del arte monumental.

Esta actividad es organizada por Hernán Pacurucu de Ecuador y Víctor Hugo Bravo de Chile.

El curador Víctor Hugo Bravo señaló que este proyecto nació hace más o menos un año, con Hernán Pacurucu, con quien ha trabajado antes en otros proyectos en Chile, en Cuenca y Guayaquil.

Entonces una de las ideas era hacer una propuesta colectiva de trabajar en gran formato, en términos de recuperar cierta materialidad, que por las tendencias contemporáneas de la obra, se han ido perdiendo. Esa materialidad tiene que ver con percibir, ver y sentir la obra, lo que inspira desplazarse en ese formato, explica.

También por otro lado, les interesaba mucho la concepción del gran formato,

obras que están in situ y que no se las puede llevar y en el fondo producen una fisura en la concepción de la venta. Además está la concepción como una idea global, que es la apropiación del espacio, en este caso de la ex cárcel.

Este es un espacio que tiene una historia, un contexto y una carga especifica.

En esta exposición están participando artistas europeos y latinoamericanos, todos traen una idea que tiene que ver con el proceso curatorial, que era este cuestionamiento, como los espacios expositivos, de la vitrinas, pensando en grandes dinámicas como ferias de arte, señala.

Una de las expositoras

La artista Sara Roitman es una de las expositoras, que participará con su obra denominada “La mosca”, que es una instalación compuesta por varias moscas que están elaboradas en neón, de color verde, que simboliza la putrefacción, explicó.

La mosca es un insecto que vive en la basura, en lugares sucios, con lo que se hace una relación entre la mosca y la cárcel, metafóricamente hablando de la podredumbre de la sociedad, que está infestada y en estado de descomposición, señala.

No solo es una descomposición de valores, sino también de moral, de ética. La cárcel es simbólica, porque la sociedad trata de encarcelar a elementos que afectan a nuestra sociedad, a pesar que hay muchos que andan sueltos.

Su obra ocupa el espacio de un pasillo bastante oscuro, las moscas lo iluminan, y están ubicadas en diferentes lugares, como el techo, en un rincón, etc.

El tamaño de las moscas varía, hay de 45 por 45 cm, 55 por 55, etc. En total son 6.

En otros lugares en el mundo se da mucho este tipo de arte, donde se ocupan espacios como hospitales, psiquiátricos, cárceles, para el arte, y a nivel local el Municipio ha entendido el valor que tiene este espacio, indica.

La antigua Cárcel guarda muchas historias personales, tiene una energía fuerte, con todos los restos de objetos de sus antiguos habitantes y elementos que han sido parte de la vida del reo, literas, catres, artículos personales, armas, etc., que dan muestra de las condiciones duras de vida de los internos. Siendo ésta otra de las muestras que participarán de la exposición. (COR) (I)

Inauguración

La inauguración de la exposición será el próximo viernes 14 de octubre, a 18:30, y permanecerá tres semanas abierta.

Se armarán  grupos para las visitas, que circularán por los diferentes espacios y habrá un guía que contará las experiencias de cada obra. Para esto, se cuenta con el apoyo del Municipio de Cuenca, explicó Sara Roitman.

Durante la instalación de la obra LA MOSCA en la ex cárcel de Cuenca.

Proyecto: Gigantes y Derivas

Del 14 de octubre al 21.

Cuenca- Ecuador

BUENOS DIAS MUNDO !
La Muestra Arte 15 en los días del Habitat III
Con motivo del Hábitat III, desde el lunes 17 hasta el jueves 20 de octubre se exhibirá la muestra visual Arte 15 en la avenida González Suárez N31 -150, Edificio Atrium, (antigua Galería Ileana Viteri).Quito, Ecuador. El horario de atención será desde las 12 am hasta las 8:30 pm.

Los artistas participantes son: Hernán Cueva, María Pérez, Marcelo Aguirre, Sara Roitman, Rafael Díaz, Katya Romero, Miguel Betancourt, Paula Barragán, Cristobal González Guzmán, Ana Fernández, Maurice Montero, Helena García, José Unda, Shirma Guayasamín, Luigi Stornaiolo, Carlos Echeverria-Kossac.

Lo que antes era el Centro de Rehabilitación Social de Varones de Cuenca, hoy se ha convertido en la sede de la muestra de arte Gigantes y derivas, que congrega la creatividad de 19 artistas nacionales y extranjeros.

Fecha de Publicación: 2016-10-13 00:00 

Durante una “residencia” artística, los creadores plasmaron una idea con base en los antecedentes históricos y sociales que rodean la infraestructura de la antigua cárcel. 

Uno de ellos, Que Zhinín, utiliza plantas medicinales para colgarlas en las paredes y pétalos de rosas para esparcilas sobre el piso.

¿Qué representan las plantas en un lugar así? El artista dice que es el futuro y considera que es así como deben ser los centros de rehabilitación social de cualquier parte del mundo en el futuro. Es decir, el artista deja un mensaje positivo.

De su parte, el artista Olmedo Alvarado, expone lo único que considera el elemento para ser libre: el conocimiento. Con una escultura elaborada con el molde de su cuerpo, presenta a un hombre maniatado, tapado los ojos y la boca sentado sobre libros en una de las habitaciones donde un grupo de reos residía.

Además de estos artistas, expondrán sus trabajos Julio Mosquera, Damian Sinchi, Larissa Marangoni, Carlos Vaca, Ila Coronel, Sara Roitman, Tomasz Matuszak, Arkadiusz Sylwestrowicz, Igor Omulecki, Claudia Osorio, entre otros.

La exposición se inaugura mañana a las 19:30, en la antigua cárcel de varones de Cuenca, ubicada en las calles Nicanor Merchán y Eugenio Espejo. (FCS) (F)  

http://www.eltiempo.com.ec/noticias-cuenca/193000-temas-de-libertad-giran-en-torno-a-una-muestra-de-arte/ 

Patio, celdas e inclusive duchas de la que por más de 50 años fue la cárcel de varones de Cuenca reciben una intervención, esta vez, artística, por parte de artistas de cinco países que han llegado a elaborar obras, en la línea del arte conceptual, las mismas que formarán una exposición que se inaugurará el viernes y se mantendrá un mes.
En lo que fue la oficina de la dirección de la prisión, el chileno Juan Montes Rojas hará una propuesta de escultura, relacionada con un monumento urbano. En lo que fue dormitorio de guías penitenciarios, Ricardo Lagos, de Chile, instalará unos panfletos, colgantes.
De Polonia llegaron algunos artistas. Tomasz Matuszak no reveló su obra, mientras Arek Wetrowisch prepara, en lo que fue la biblioteca de la cárcel, en la planta baja, la proyección de un video con música, (“la abstracción de una danza”) que podrá verse desde una rejilla.
Igor Amuletsky colocó en los baños de las viejas duchas unos espejos circulares en donde se reflejarán imágenes de la obra de otro artista, para que el espectador pase del proceso de la percepción a la abstracción.
La ecuatoriana Sara Roitman hizo varias intervenciones: habilitó un altar con imágenes religiosas, puso luces de material flexible a modo de lámparas en forma de moscas e hizo una instalación con viejas prendas de vestir (encontradas en el sitio) que colgó al lado de un lavadero, justo donde -esas son las ironías- ha sobrevivido un letrero pintado: “Prohibido lavar ropa”.
Víctor Muñoz, de Colombia, hizo una serie de fotografías de espejos que halló en las celdas y puso una lona pintada de negro, con textos escritos al revés, tomados de una película sobre la libertad.
Anders Ronnlund, sueco, tomó un área que funcionaba como capilla evangélica: aquí, un aspersor suspendido del cielo raso, toma el agua de una botella plástica a modo del suero en un hospital y la esparce, en forma circular, sobre unos adobes puestos en el suelo. Esto puede representar el mundo, el tiempo, sin olvidar que el agua acabará por modificar la textura del adobe (acaso lo rompa) al final de la muestra.
El chileno Víctor Hugo Bravo, ocupa una celda colectiva de la segunda planta, donde sobre las puntas de unos carrizos están, en fotos, rostros de políticos, de dictadores y de artistas y en el piso objetos de desecho que encontró en la cárcel: hojas de afeitar, fierros, preservativos, cepillos de afeitar…
Y, el artista Alexis Minkiewicz, de Argentina, trabaja una instalación-escultura que consiste en la representación de un cuerpo hecho de cera y vendas, cuyas partes, como prótesis de piel, están, fragmentadas, sobre soportes metálicos, una idea de la contención que representa la cárcel.
Se trata todo esto de un proyecto de intervención artística bajo la dirección del artista Hernán Pacurucu, con apoyo de la Municipalidad, y que, bajo la idea de que los museos están agotados como sitios de exhibición, plantearon tomar la excárcel como proyecto de intervención y espacio para el arte contemporáneo. Francisco Abril, director municipal de Educación y Cultura, invitó a la muestra del viernes, que se inaugurará a las 18:30. (AVB)-(I)

CELDAS PARA EXPOSICIÓN
En la planta alta de la vieja prisión, las celdas serán salas de exposición. Tres de ellas con muestras de artistas de Ecuador.
Olmedo Alvarado ha hecho un hombre atado, acaso torturado, hecho de vendas de yeso, puesto en una silla, sobre libros. Quiere decir que más que una liberación física busca el conocimiento. Al lado, dos pinturas: en una el ser que se alimenta de los libros y luego los destruye. Pero es imposible ver una figura así en ese lugar y no relacionarla con torturas y apremios que sufrían los detenidos.
En otra obra, Ila Coronel entrecruzó una celda, en todas direcciones, con hilos de múltiples colores, tan estrechos entre sí que da una sensación de aprisionamiento. “Qué” Zhinín, en cambio, ha puesto sobre una pared muchos ramilletes de plantas medicinales: romero, manzanilla, té. Su mensaje es que las cárceles no deberían ser brutales, no rehabilitan. Las plantas medicinales buscan una suerte de curación.
Por último, Claudia Osorio, de Chile, a partir de cartas que halló tiradas, trasladó esos textos (de amor y de esperanza) a muebles e inodoros pintados de blanco, objetos y cartas que eran la cotidianidad de presos y funcionarios. (AVB)-(I)

LINK:

https://www.elmercurio.com.ec/562721-la-antigua-carcel-reabre-como-escenario-de-arte/#.WAYr72W_NBz 

BUENAS TARDES MUNDO !

Compartimos con ustedes la obra del mes de septiembre en el marco del proyecto HABLEMOS DEL DOLOR [título temporal] de la artista Sara Roitman bajo la curaduría de Hernan Pacurucu.

La obra LA MINGA es una plantación de plantas medicinales en forma de un espiral. Este alude al proceso de crecimiento y evolución constante y también conecta el cielo, la tierra y el ser. UN ACTO DE SANACIÓN TANTO DE LA TIERRA COMO PERSONAL.

Les contamos que la obra del mes de Julio, el photobook TINTATTOO fue presentado en la galería Curator´s Voice Art Project, Miami. 

Dra. Milagros Bello, dueña de la galería Curator´s Voice Art Project en Miami apreciando el photobook TINTATTOO.

El arte del tatuaje, sus símbolos y lo que representa en cada persona lleva a descubrir un mundo fascinante de construcciones de otros cuerpos y nuevos lenguajes. El dolor está implícito en cada imagen que nos lleva a reflexionar sobre el dolor, el placer y el arte.

Me complace compartir con todos la obra del mes de julio, un ensayo visual en formato "fotobook" en el marco del proyecto "HABLEMOS DEL DOLOR (titulo temporal)" 

Titulo de la obra: TINTATTOO

Consta de un ensayo visual que se enfoca en la piel tatuada y sentir que el dolor esta implícito en el arte del tatuaje. 
quiero agradecer a todas aquellas personas tatuadas que abrieron su corazón con sus increíbles historias y me permitieron acercarme a sus pieles tatuadas.  
les comparto algunas fotos del fotobook que recoge este ensayo visual.

Los miembros del jurado, escogidos con varios criterios, casi siempre han recaído en un reconocido grupo de artistas, intelectuales y promotores culturales, lo que han tenido la responsabilidad de entregar las distinciones. 

Los jurados estaban divididos, en algunos casos, en dos categorías: el de admisión y premiación, más un Director de Salón. En muchas ocasiones el jurado era el mismo para los dos momentos más importantes, que eran ser admitido y premiado.

Jorge Morocho gana por segunda vez el Salón de Julio de Guayaquil 

Marcel Moyano logró el segundo lugar con Ciudadela.

A través de un collage, el joven estudiante de la UArtes, hace un registro de “fachadas de segundos o terceros pisos que han quedado descontinuadas en el tiempo” y las ubica “en una composición de ciudadela imaginaria, tomando como eje el panóptico (centro penitenciario imaginario) que es un síntoma de vigilancia, que estamos todos sometidos en la ciudad”.

Air force one (Boyeros), de David Orbea se ubicó en el tercer lugar del salón. La obra habla de la histórica visita del presidente de los Estados Unidos, Barack Obama, a Cuba.

“En este proceso pictórico en particular yo tomo imágenes mediáticas y me pareció interesante la idea de Estados Unidos penetrando a Cuba y que puede llevar a ciertas interrogantes”, contó el artista de 31 años.

A las 19:00 de hoy se inaugura, en el Museo Municipal, la muestra de las 17 obras que fueron seleccionadas para el Salón de Julio de este año. 

Continúa el proyecto HABLEMOS DEL DOLOR (título temporal) de la artista Sara Roitman bajo la curaduría de Hernan Pacurucu.

En el mes de Junio 2016 se trabajó y elaboró la obra ´SOLEDAD´ que va a circular en el ¨ciberespacio¨ (término que acuñó el novelista de ciencia ficción William Gibson) el espacio virtual tan conocido por todos nosotros, que es la extensión del espacio real. 

La obra está compuesta por fotografías de espacios desolados intervenidos por la artista bordando círculos y un punto en el centro sobre las fotografías. El significado de los círculos y el punto son la sintetización de la idea de la soledad.

Rupturas es una instalación de la artista Sara Roitman en el marco del proyecto hablemos del dolor [título temporal] compuesta de textos fotografías y un objeto único como símbolo del encuentro y la ruptura. El proyecto es curado por Hernan Pacurucu. 

"Amor líquido es un concepto creado por el sociólogo polaco Zygmunt Bauman, desarrollado en su obra Amor líquido. Trata acerca de la fragilidad de los vínculos humanos, para describir el tipo de relaciones interpersonales que se desarrollan en la posmodernidad. Esas, según el autor, están caracterizadas por la falta de solidez, calidez y por una tendencia a ser cada vez más fugaces. Aunque el concepto suela usarse en las relaciones basadas en el amor romántico, Bauman también desarrolla el concepto para haablar en general de la liquidez del amor al prójimo."

‘Hablemos del dolor [título temporal]’ es un proyecto de largo aliento, que la artista Sara Roitman empezó el 1 de enero del 2016 y que concluirá el 1 de enero del 2017.

Un proyecto interdisciplinario e itinerante, curado por Hernan Pacurucu, que ya ha presentado cuatro actividades en Quito y una en Cuenca.

La última de estas exhibiciones fue ‘Rupturas’, que se inauguró el 31 de mayo, en Z Life Style Gallery. Una instalación de textos y fotografías que, a través de una puesta en escena en un pasillo largo y negro, enfrenta a los visitantes al dolor de las rupturas amorosas y familiares.

‘Nunca me pediste perdón’, ‘Me abandonaste’, ‘No me siento culpable, pero me duele’... En ‘Rupturas’, muchas de estas frases acompañan a imágenes de personas cuyos rostros son indescifrables.

En esta muestra, el dolor se hace visible a través de la intimidad; algo que pocas veces se dice pero que resulta universal, el abandono.

En ‘Hablemos del dolor’ se ha reflexionado sobre el luto, la violencia de género, la pérdida material y sentimental. En abril, Roitman presentó ‘Kadish’, una instalación con ropa, zapatos, textos y fotografías inspiradas en una oración de duelo en arameo, que se reza en público y cuyo origen es judío; la señal fundamental de amor y respeto que una persona da a aquellos que han fallecido.

Para Roitman, esta instalación fue una forma de conmemorar a las personas que fallecieron en el terremoto del 16 de abril. Esta instalación, que se exhibió en un local vacío en la avenida González Suárez, en el norte de Quito, tuvo como lema: “Esta­mos de luto, que el arte sea nuestro punto de encuentro”.

La huelga de las camisetas que fueron encerradas e incendiadas por reclamar sus derechos laborales, en Nueva York, en 1911, inspiró a la creación de ‘Violencia no’, obra que fue presentada en Cuenca, en marzo.

En una valla publicitaria, en la avenida Unidad Nacional y Padua, las extremidades de una muñeca descuartizada fueron colocadas en la rueda de un llavero.

Aquí la metáfora hacía alusión al sentido de propiedad que se tiene, por parte de la sociedad, sobre las mujeres; sobre sus cuerpos, sus vidas y sus sentimientos. La muestra también conmemoró el Día de la Mujer.

Una de las primeras muestras de ‘Hablemos del dolor’ fue ‘Presente perfecto’. Esta exhibición se realizó en el taller de Roitman, en Quito. Este espacio sufrió una inundación en diciembre del 2015 y quedó destrozado.

Para esta muestra, Roitman trabajó con fotografías e invitó a un grupo de artistas, curadores y personas interesadas en el arte para presentar el proceso del proyecto. La idea de la artista fue que se critique, se opine y se interactúe sobre la obra de arte.

La Galeria de Curator's Voice Art Project de Miami-USA,

presenta la obra "EVIDENT/invisible" de la artista

SARA ROITMAN en SCOPE BASEL 2016

Celebrando sus 10 años en Basilea, la famosa muestra de arte contemporaneo SCOPE  se complace en anunciar su nueva ubicación en Clarahuus, a sólo tres cuadras de Messeplatz. A un breve paseo de la feria principal,

SCOPE Basel ofrece a sus huéspedes una vista del mundo del arte contemporáneo nunca presentado.

SCOPE Basel acogerá a 85 expositores internacionales junto con 10 galerías Programa Breeder. expositores provienen de cuatro continentes y más de veinte países, entre ellos China, México, Japón, Corea, Brasil, Italia, Irán, Rusia, Turquía, Francia, Bélgica, los Países Bajos, Noruega, Suiza, Alemania, Reino Unido, España y Canadá.

Establecida ya hace tiempo como la incubadora original para el trabajo emergente, Programa de Breeder celebra sus 16 años de la introducción de nuevas galerías para el mercado contemporáneo. Un notable oportunidad de exposición, ex alumnos del programa Breeder incluyen: Peres Projects, Regalos John Connelly, Galería Enrique Guerrero, Daniel Reich Gallery, Bischo / Weiss, Spinello Proyectos, INVISIBLEEXPORTS, diecisiete, rokeby, Taxter Spengemann y mágico Artroom, entre otras galerías notables.

SCOPE se nutre de la psique cultural de presentar sólo el trabajo más innovador a través de múltiples disciplinas creativas. Con más de una década de ferias de arte aclamadas por la crítica y las iniciativas sin fines de lucro que se extienden más allá de lo común en el arte contemporáneo.

‘La fractura del siglo’, que arranca hoy, exhibe 10 largos y dos cortometrajes, de 1942 a 2014.

El cine es esa ventana para crear ilusiones. A través de fotografías y pinturas se puede volar con la imaginación. El guion crea esas historias inolvidables, sus personajes se convierten en íconos irremplazables. Pero las cintas que tratan el tema de guerras o genocidios muchas veces han sido vistas con recelo o distancia.

Y, precisamente, el ciclo de cine ‘La fractura del siglo’ (que tiene como tema central la Segunda Guerra Mundial), hará que cada espectador se incomode (pero no por los filmes escogidos, sino por la propuesta cinematográfica que formará parte de este ciclo) y se ponga de pie en busca de una reflexión que le lleve más allá de lo que conoce.

“El cine tiene esa capacidad de comunicar, emocionar, convocar. La idea es poner el tema sobre la mesa, sabemos que la Segunda Guerra Mundial ya pasó, pero aun vivimos consecuencia de ella. Además que vivimos en un mundo conflictivo, lleno de guerras, genocidios y me parece importante hablar del tema ya que como humanidad no la hemos superado”, expresó Sara Roitman, organizadora del evento.

Ciclo

Se proyectarán filmes de directores como Alain Resnais, uno de los creadores de la Nouvelle Vague, con cintas como: ‘Guernica’ (1950), ‘Noche y Niebla’ (1955) e ‘Hiroshima mon amour’ (1959).

El Neorrealismo, corriente surgida como reacción a la posguerra, tendrá a Roberto Rossellini, uno de sus máximos representantes, con ‘Alemania año cero’ (1948). Otro de los padres de la Nouvelle Vague, Jean-Luc Godard, estará presente con el cortometraje ‘El origen del siglo’ (2000). Igualmente, la comedia dramática ‘Ser o no ser’ (1942), de Ernest Lutbitsch.

Entre los documentales estarán: ‘La guerra de un hombre solo’ (1982), de Edgardo Cozarinsky; ‘El último de los injustos’ (2013), de Claude Lanzmann y ‘Prisioneros de Paraíso’ (2002), de Malcolm Clarke, esta última nominada al Oscar. También se presentará ‘Y en el centro de la tierra había fuego’ (2013), de Bernhard Hetzenauer, filme sobre Vera Kohn, sicóloga y terapeuta espiritual, quien se radicó en Ecuador huyendo del nazismo.

Entre las presentaciones especiales estarán producciones contemporáneas como: ‘Ida’ (2013), de Pawel Pawlikowski, ganadora de un Oscar a la mejor película de habla no inglesa, y ‘Phoenix’ (2014) de Christian Petzold, uno de los cineastas alemanes con más proyección actual.

“Así como la poesía se preguntó: cómo escribir poesía después de Auschwitz, el cine se preguntó: cómo hacer cine después de Auschwitz. Estas películas son respuestas inteligentes a esa pregunta. Son películas que exigen espectadores atentos, dispuestos a que su lugar cómodo o común se vea modificado, invitan a pensar, a sentir, a ver y a oír de otra manera. Películas icónicas y muy conocidas y fundamentales para pensar el cine”, comentó José María Avilés, curador del ciclo. (MJC)
Recuadro